Почему мы любим аниме: рассказывают Анкорд, блогер и косплеер

Ещё десять лет назад было сложно представить, что аниме так прочно закрепится в массовой культуре. Популярные тайтлы интересуют людей по всему миру не только как вид досуга: в университетах открывают новые направления, где изучают влияние аниме и манги на искусство. А модные бренды посвящают японской анимации отдельные коллекции. Разобрались, в чём секрет успеха аниме и как оно влияет на современную поп-культуру. А помогли нам в этом приглашённые эксперты:

• Актёр и режиссёр озвучания Анкорд;
• Автор канала Betrayed Expectations и проекта «анитайп», судья Crunchyroll Anime Awards 2021, постоянный судья Reddit Anime Awards с 2019 года — Орофин;
• Косплеер и актриса Dasha Drawiwandspase.

Обложка: Toei Animation

Когда появилось аниме

Японское слово «アニメ» звучит как «аниме» и обозначает анимацию из любого уголка мира. Но всем привычно понимать под «аниме» именно японскую мультипликацию. Там производство анимации началось в 1907 году, когда вышел короткий метр «Движущиеся картинки» от неизвестного автора. Это трёхсекундный мультфильм, где мальчик в матроске пишет на доске «活動写真» («Движущиеся картинки») и в конце снимает шляпу перед зрителями. В 1917 году вышла вторая, более длинная анимация — четырёхминутный «Namakura Gatana» или «Тупой меч». Это история о самурае, которого после покупки новой катаны начинают преследовать неудачи.

Фото: Junichi Kouchi

В 60-ые производство анимации постепенно увеличилось во многом благодаря «японскому Уолту Диснею» — Осаму Тэдзука, который за свою карьеру создал более 500 манг. Он заложил основы будущего развития аниме и манги, сделав их «кинематографическими». Осаму не боялся экспериментировать с крупными планами, оптическими эффектами и сменой ракурсов. Благодаря ему в манге стали записывать звуковые эффекты буквами и подчёркивать движения в кадре линиями. Именно Осаму подарил поп-культуре легендарного «Астро Боя».

Сейлор Мун и Астробой: лучшие и худшие новинки моды

Фото: Astro Boy, Vol. 3 by Osamu Tezuka

В 90-ые аниме вышло за пределы Японии и стало глобальным феноменом. Благодаря «Акире», «Драконьему жемчугу» и «Сейлор Мун», японская анимация стала популярной среди международной аудитории. Из нишевого увлечения аниме превратилось в важную часть мировой поп-культуры. Сейчас его популярность феноменальна: даже те, кто не смотрел ничего из японской мультипликации, знают, как выглядит Наруто и кто такой Пикачу.

Чем оно отличается от анимации других стран

Главная фишка большинства аниме-персонажей — неестественно большие глаза.  Основоположник японской анимации Осаму Тэдзука вдохновлялся стилистикой мультфильмов Disney — больше всего его впечатлила рисовка Микки Мауса и Бэмби. Поэтому во всех своих знаменитых работах — вроде «Астро Боя», «Принцессы-рыцаря» и «Метрополиса» — художник рисовал персонажам выразительные глаза. Эта деталь так понравилась зрителям, что осталась неотъемлемой частью аниме.

Фото: Kodansha

Часто выразительные глаза героя аниме — не просто дань уважения стилю, за ними скрываются черты характера персонажа. С помощью глаз аниматоры могут подчеркнуть его возраст, эмоциональное состояние и степень открытости. Глаза у детей, как правило, очень большие, чтобы подчеркнуть их наивность и непосредственность. У пожилых персонажей — в основном небольшие с маленькими зрачками.

Фото: Wit Studio, CloverWorks

Многое о характере героя могут рассказать и очки. Обычно их носят очень умные в какой-то сфере или застенчивые персонажи — как, например, Кен Такакура из «Дандадан» или Миюки Тамара из «Счастливой звезды». Иногда они могут быть слишком увлечены каким-то делом и гореть им на грани безумия, как Ханджи Зоэ из «Атаки титанов». Или пианист-вундеркинд Арима Косэй из «Твоей апрельской лжи», который с самого детства занимал призовые места на всех городских музыкальных конкурсах.

Чем закончилось аниме «Атака титанов»?

Нос и рот персонажей изображают не так выразительно — в виде нескольких волнистых линий, кроме сцен, где герои разговаривают. Некоторые художники отходят от привычного стиля и рисуют героев более реалистично. Обычно в таких тайтлах аниматоры детально прорабатывают нос, рот и скулы персонажей, подчёркивая их с помощью затенения.

Фото: MAPPA

Волосы героев аниме тоже могут многое рассказать о характере их обладателей. В научном исследовании «Семиотика в манга и аниме» Алиса Денисова приводит классификацию персонажей по цвету волос. Герои с иссиня-чёрными волосами воплощают на экране ценности бусидо. Мужские персонажи обычно бесстрашны, немного суровы и стоически переносят удары судьбы, как Сон Джин Ву из «Поднятия уровня в одиночку». Женщины с таким цветом волос обычно скромны и жертвенны, как Хината Хюга из «Наруто». Злодеи с таким цветом волос немногословны и холодны, положительные герои – сдержанные и спокойные. У подростков волосы короче и пышнее, чем у взрослых.

У мягких и замкнутых персонажей, вроде Нагисы Фурукавы из «Кланнада», как правило, коричневые волосы. Красноволосые герои обычно эмоциональные и несдержанные — прямо как Рокстар из «Ван-Писа». Рыжие герои более хитрые и темпераментные. У бесстрашного и самовлюблённого персонажа может быть пышный хвост, как у Сакуры Кёко из «Девочки-волшебницы Мадоки».

Фото: Shaft, Aniplex

Розовые волосы демонстрируют внутреннюю чистоту и невинность. Герои с таким цветом — серьёзные и ответственные, как Юки Итосэ из «Любви с кончиков пальцев». Персонажи с голубыми волосами, вроде Рей Аянами из «Евангелиона» — терпеливы, спокойны и последовательны. Зелёный цвет волос выдаёт наивность и простодушие в широком смысле: от бесхитростной честности до полного умственного ступора. Зеленоволосые взрослые аниме-парни обычно психологически лабильны и склонны к самолюбованию, как герой культового тайтла «Красавица-воин Сейлор Мун» Кюскэ Сарашина.

Фото: Toei Animation

Персонажи аниме с жёлтыми волосами делятся на два типа. Первый — инфантильные и беспечные. Обычно авторы шоу скрывают за таким поведением  потенциал героя. Второй тип — злодеи. Они коварны, эгоистичны и жестоки, хотя считают, что своими злодеяниями делают мир лучше. Самый яркий пример — Химико Тога, единственная девушка-антагонист в «Моей геройской академии». А у беловолосых героев обычно сложная судьба: они многое пережили и теперь учат, направляют других. Прямо как Фрирен из «Провожающей в последний путь Фрирен».

Фото: Madhouse

Помимо внешнего вида персонажей, создатели аниме уделяют особое внимание изображению эмоций героев. Часто они гиперболизированные: персонажи могут говорить с закрытыми глазами, чтобы показать безапелляционность. Если герои злятся — на несколько секунд они принимают демонический вид. В комичных сценах художники используют детали, вроде капелек пота или вздувшихся вен, чтобы показать несерьёзность ситуации.

Что цепляет людей в аниме

Dasha Drawiwandspase считает, что аниме привлекает аудиторию разноплановыми персонажами, которые свободны быть кем угодно и выглядеть как хочется:

«Наша психика так устроена, что, смотря кино или сериалы, мы непременно примеряем это на себя, проживая с персонажами их опыт и жизнь, учась и любя с ними. Я начала смотреть аниме в школе, в период очень сильного буллинга от одноклассников, и оно помогло мне пережить эту боль. Всё началось с «Тетради смерти», в которую я жаждала записать каждого из них. Но концовка аниме научила меня, что ненависть разрушительна и ничем не поможет.

Когда не хватает романтики — ты смотришь романтику. Я думаю, что у большинства людей именно такой паттерн подбора. У меня он остался таковым по сей день. Я люблю красивую рисовку, воздух в картинке, минимум крови и максимум смысла. Аниме, над которым можно посмеяться, подумать и поплакать. Для меня очень важен дизайн персонажей. Например, аниме «Эта фарфоровая кукла влюбилась» попалось мне как раз в период начала увлечения косплеем. Когда я теряю мотивацию — пересматриваю его, вдохновляясь Марин Китагавой, которая косплеит кого хочет, независимо от мнения окружающих».

Фото: Madhouse

Также зрителей аниме может привлекать его специфический юмор. Он отличается от шуток в привычных нам российских или западных комедиях. Из-за этого некоторые зрители, не знакомые с японской анимацией, считают, что не поймут контекста. Но на самом деле, юмор играет далеко не главную роль в тайтлах. А некоторые «локальные» шутки и вовсе теряются при переводе. Анкорд комментирует:

«Не надо питать иллюзии — даже если персонажи аниме непрерывно острят, об этом узнают лишь те, кто смотрит в оригинале. Тут не помогут ни субтитры, ни озвучка — потому что всё это уже интерпретация переводчика. А переводчик — кто бы мог подумать — это не автор аниме. Он может сам не понять шутку или не суметь её смешно адаптировать. Наконец, сама шутка может быть такой, что на русский её не перевести в принципе. Это если она, например, построена на игре слов и идиомах.

Фото: A-1 Pictures

А что до нас доходит? Это юмор визуальный, который не требует перевода. И здесь на первом месте японская буффонада, и вот она остаётся неизменной уже десятилетиями. Это какие-то репризы: когда персонажей рисуют карикатурно, они смешно себя ведут, через характерные обозначения им приписывают какие-то чрезмерные эмоции — вот это да, это мы видим. Но это уже из области клоунады. Насколько оно смешно? Тут дело вкуса. Кто-то с клоунады смеётся, кто-то клоунаду не любит, а кто-то вообще клоунов боится.

И в третьих, это юмор положений, когда смешны сами ситуации, в которые попадают персонажи. Вот тут и проявляются таланты авторов первоисточников и постановщиков. Далеко не все авторы аниме это могут. Некоторым кажется, что персонажа достаточно показать круглым идиотом. Это общее место не только у японских авторов, но и у российских, европейских, американских. И у всех это одинаково провальная стратегия. Когда персонаж ведёт себя как идиот, это не смешно. Это лишь раздражает зрителя».

Что сейчас происходит с аниме-индустрией

Сейчас популярность аниме на пике. В 2022 году японская компания по рекламе и связям с общественностью Dentsu провела опрос, в котором 44% респондентов поколения Z (в возрасте 18-24 лет) заявили, что любят смотреть аниме. Оно нравится им даже больше, чем популярные виды спорта, вроде футбола. Орофин считает, что рост популярности японской анимации связан с развитием интернета и социальных сетей:

«Благодаря распространению мемов, популяризации витуберов и гача-игр в последние пару лет анимешная эстетика стала неотъемлемой частью массовой культуры. И это само по себе подталкивает обывателя к тому, чтобы поглубже разобраться в том, что всё это значит и как это смотреть. К тому же аниме гораздо доступнее, чем каких-то 15-20 лет назад: стриминговые платформы выпускают день в день с их выходом в Японии, а полнометражные фильмы всё чаще получают международные релизы.

Фото: Science SARU

Из-за роста популярности появилось больше лайв-экшен адаптаций аниме и манги, аниме-спиноффы игр и фильмов. Барьер вхождения максимально утончился, а ореол «загадочности» и «непонятности» японской анимации не то чтобы совсем пропал, но скорее окрасился в пёстрые и привлекательные цвета. Теперь быть «анимешником» — вовсе не странно, это почти так же, как быть «геймером» или «киноманом». Можно, просто прогуливаясь, увидеть значок с «Ван-писом», футболку с Рюком (персонаж аниме «Тетрадь смерти» — Прим. ред.) и услышать рингтон с мелодией из «Атаки Титанов».

Большинство популярных тайтлов снимают по одноимённой манге. Новые главы, как правило, выходят быстрее серий шоу, так что для преданных поклонников аниме это хорошая возможность скоротать время. Из-за интереса к тайтлам растёт и спрос на мангу: по данным в исследовании Анны Гузь за 2024 год средняя стоимость манги в России на 17% выше, чем других комиксов. Крупные книжные сети, вроде «Читай-города», адаптируются к интересам покупателей — выводят мангу в отдельные вкладки на сайте и выделяют отдельные тематические стенды в розничных магазинах.

Фото: Kyoto Animation

Производство самих тайтлов тоже идёт в ногу со временем. Анкорд рассказывает:

«Есть технические особенности, есть японский национальный колорит, который пытаются в большей или меньшей степени копировать производители из других стран. И эти вещи, разумеется, меняются, пусть не радикально: графический стиль по большей части старается соответствовать времени, вовлекать современные технологии, и не всегда это [идёт] на пользу.

Общий подход к созданию видеоряда постоянно усложняется, художники пытаются сделать свой визуал узнаваемым, чтобы разные тайтлы отличались друг от друга. Плюс ещё пришёл тренд на возврат к стилистике аниме восьмидесятых — хиты того времени возвращаются на экраны в виде ремейков с современной графикой, которая тем не менее стилизована именно под стандарты 80-х.

Фото: Madhouse

Жанры в аниме представлены все. Комедии, боевики, мелодрамы, драмы. Исторические сюжеты, научная фантастика, ненаучная фантастика, антинаучная фантастика. Ужасы есть, причём леденящие кровь посильнее голливудских представителей жанра. Например, «Спираль» по мотивам Джунджи Ито — это прямо действительно ужасающее зрелище».

Разбираем 1 серию хоррор-аниме «Спираль» по манге Дзюндзи Ито

Как японская анимация переросла в культурный феномен

Парадокс аниме в том, что с одной стороны его история развивалась отдельно в японском контексте. А с другой — в тесной связи с западной мультипликацией. Начинаясь как японский вариант Диснея, аниме превратилось в визитную карточку страны. Орофин комментирует:

«Сейчас мало кто знает, например, что классический советский мультфильм «Снежная Королева» Льва Атаманова очень впечатлил Хаяо Миядзаки, а многие американские мультсериалы восьмидесятых и девяностых создавались в тесной коллаборации с японскими студиями: даже некоторые эпизоды Batman the Animated Series рисовала студия Ghibli.

Фото: Screen Rant

Сегодня же многие стилистические, эстетические и даже тематические приёмы, выработанные десятилетиями в этом «пузыре», стали всё более активно использоваться аниматорами по всему миру. Будь то нарочитое уменьшение частоты кадров даже в трёхмерных мультфильмах вроде последних «Спайдерменов» и «Черепашек-ниндзя», специфические стилизованные эффекты и позы или банальная «большеглазость» и «кавайность» дизайна персонажей. Китай и Корея переняли особенно много от аниме, и первый постепенно догоняет Японию по количеству выпускаемых сериалов.

«Грань» между аниме и остальной мировой анимацией всё сложнее прочертить, и это отчасти так, но не совсем. Хоть «анимешная эстетика» и стала достоянием массовой культуры, а сам термин «аниме» превратился в своеобразный рекламный бренд, которым студии завлекают аудиторию, специфическая модель производства аниме по-прежнему жёстко привязана к Японии и сформированным годами особенностям, которые остались почти неизменны. Проще говоря, дело не только в том, что «настоящее аниме made in Japan», дело в «как».

Фото: Netflix

Сам процесс создания раскадровок, использование макетов, должность режиссёров анимации, закрепление ключевых аниматоров на отдельные сцены, и многое другое — ключевые ступени производства только японских студий. Ни американские, ни корейские, ни даже китайские студии не придерживаются такой модели один в один.

А ведь именно во многом благодаря формированию этой структуры и возникла та самая эстетика, которую мы знаем сегодня. «Легенда об Аанге» это не аниме, потому что она производилась по американской модели производства. Так же, как и «Утиные истории» не аниме, хотя рисовались японской студией TMS. По такой же западной модели, кстати, производится и новая «Кастлвания», хотя Netflix называет её аниме».

Фото: Nickelodeon Animation Studio

Сейчас влияние аниме заметно не только в мультипликации, но и за её пределами. В городах по всему миру проводят тематические выставки, ярмарки, открывают аниме-клубы, новые специальности в университетах. Для многих аниме превратилось в собственное творчество и возможностью заявить о себе. Так Dasha Drawiwandspase и пришла в косплей:

«Я в косплее всего 2 года, до этого смотрела и облизывалась на красивые работы других девочек. Но считала, что это не для меня, так как я серьёзный человек с двумя творческими образованиями: преподаватель эстрадно-джазового вокала и актриса. После окончания второго образования, я очень долгое время искала кастинги, проходила их, стремилась играть хоть в чём-то, чтобы реализовать свой творческий потенциал.

В актёрской карьере есть куча правил, например, нельзя менять цвет волос, делать татуировки, а в портфолио должны быть, как правило, только натуральные фото. За 2 года поисков работы по профессии, я перенасытилась этой естественностью донельзя, и в один момент набила тату и покрасила волосы в красный. Моя подруга — однокурсница по актёрскому вузу — к тому времени уже отчаялась найти работу и начала развиваться в косплее, подначивая меня, приглашая на съёмки и убеждая, что это весело и совсем не страшно.

Фото: Dasha Drawiwandspase

Косплей замотивировал меня научиться шить, укладывать парики, делать копья и мечи из ничего. Ты начинаешь мыслить иначе, более креативно, впитывая очень многие черты тех персонажей, которых пропустил через себя. А также он дарит много друзей, таких же ненормальных для всего остального мира, как и ты сам. Деньги — дело десятое, ведь когда твоё любимое хобби сначала захватывает тебя и дарит эмоции, а потом ещё и начинает приносить доход — это лучший жизненный подарок».

Фото: Dasha Drawiwandspase

Теперь аниме — не просто японская анимация, а глобальный культурный феномен, который влияет на всю индустрию развлечений. Мультипликация Страны восходящего солнца теперь не подражает западным трендам, а сама задаёт их. Кажется, аниме продолжит стремительно влиять на контент по всему миру, а нам не остаётся ничего, кроме как ждать новых серий любимых тайтлов.

За что мы так любим дорамы: рассказывает психолог

Анастасия Скалдина-Котлярова